Por Norberto Bogard

Magos Herrera cautiva con su voz. Sus tonos y registros cálidos, envolventes, su musicalidad y su manera tan especial de frasear las notas del jazz la han hecho destacarse en su país natal, México, y en los últimos años, alcanzar un reconocimiento sólido en Nueva York, la catedral del género.

Con siete producciones en su haber, resultado de un esfuerzo y determinación sin límites, sigue forjando su carrera con visión y de manera apasionada, intentando siempre la excelencia en su arte, imponiéndose nuevos retos, sorprendiendo a nuevos públicos, redescubriendo el jazz. Durante este mes de mayo, la intérprete despliega su talento en una serie de conciertos en sitios en escenarios de prestigio como Joe Pub’s, confirmando lo que ya una vez citó una de las principales revistas de jazz: ella es, sin duda, la Cassandra Wilson de América Latina.
No obstante sus logros ya legítimos, su carrera apenas despunta. Desde su refugio de Brooklyn, ensaya siempre con disciplina y entusiasmo, prepara giras alrededor del mundo, toma riesgos artísticos y define una nueva producción que marcará su carrera de una manera especial, un trabajo conjunto con el músico español Javier Limón, productor de intérpretes como Buika y Wynston Marsalis.

Otra historia de Brooklyn: la de la cantante española Marta Hernández. Si bien su carrera es más novel y está en pleno desarrollo, la vocalista de la banda Mar Salá ha hecho su propia revolución en el condado neoyorquino para encontrar una plataforma original que le permita expresar su arte. Con un grupo de amigos, todos músicos talentosos, formó una banda y así ha podido adentrarse en los ritmos que le interesan, una fusion de música andaluza con pop rítimico, consiguiendo un sonido verdaderamente original. Mar Salá se ha presentado en todos los escenarios de Brooklyn y Manhattan, desde los minúsculos hasta otros de mayor renombre. Este mes de mayo ofrece también varios conciertos en varios espacios de Manhattan y Queens, difundiendo su más reciente producción, un trabajo hecho por Marta Hernández en alianza con el músico colombiano Alejandro Zuleta. Tal producción tiene todo: una vibrante fusión de ritmos y armonías, letras de buen corte, algunas con un toque de humor, y esa voz andaluza de ‘cantaora alegre’ de Hernández.

Las voces e historias de intérpretes latinas de Brooklyn no se detienen aquí. La argentina Sofía Rei lo ha convertido en su condado, geografía urbana paralela a su natal Buenos Aires, para desarrollar su muy particular acercamiento musical, una fusión de la tradición folclórica latina con el jazz y música contemporánea. Su voz honda, rica, es un instrumento que serpentea con tonos de ‘blues’ y consigue matices expresivos de enorme fuerza y originalidad. Rei, también, ha establecido su carrera en Nueva York y desde sus cuarteles de trabajo, en Brooklyn, se proyecta día a día con una mayor definición artística. No obstante ya contar con tres grabaciones profesionales, entre ellas su más reciente, “De tierra y oro”, y haber participado en los más importantes festivales internacionales de música, Rei sigue imponiéndose desafiantes retos artísticos. Ella se suma, también, a las voces voces latinas de Brooklyn que dejarán huella en el mundo.

Hay una voz más también con sello Brooklyn, que deslumbra, la de la cantante mexicana Gizelxanath. Ella enarbola su canto en la exploración audaz, en el riesgo artístico, empujando sus valores vocales para conseguir resultados diferentes. La intérprete cuenta con una sólida formación musical, ha estudiado durante años técnica vocal y música en instituciones de prestigio de México y de Estados Unidos, y con ese manejo que raya en el virtuosismo, sabe cómo deconstruir su técnica para dar una nueva expresión a las melodías de su repertorio, que integra desde canciones clásicas mexicanas hasta otras populares de América Latina. Tal vez Gizelxanath esté en la búsqueda de una identidad más propia que la ubique con un sello original, pero mientras tanto aventura con su voz en diferentes géneros con enorme imaginación. Por ejemplo, su más reciente grabación, “Pasion Tango NYC” con la interpretación de tangos, es de verdad memorable.

Sin duda, las grandes voces latinas surgen de Brooklyn, y rebasan ya con fuerza los límites de ese condadado neoyorquino.

“No duerme nadie por el cielo, Nadie, nadie. No duerme nadie”.
Las palabras de Lorca son campanas que tañen en el aire neoyorquino. Jubilosas, vibrantes, a veces con matices de dolor, pero siempre con signos de esperanza, exploran lo misterios más profundos de su alma. En la muestra “Back Tomorrow: Federico García Lorca/Poet in New York”, presentada por The Public Library, se despliega toda la grandeza del escritor andaluz.

Es un homenaje de la ciudad que amó durante su estancia en el año 1929, y que lo atravesó con fuego, propiciando que su voz de poeta expresara con profunda sensibilidad las transiciones de la metrópolis a los signos de industrialización, a veces con señalamientos estremecedores, pero también capaz de advertir sus perfiles humanos y misericordiosos.

Hoy, hay fiesta en Nueva York celebrando a Lorca. Se exhibe el manuscrito que le permitió olvidar sus cánones tradicionales e incursionar en la modernidad, su imagen se convierte en un caleidoscopio imparable, y sigue siendo, como siempre lo deseó, el niño perenne que sabe cómo multiplicar la belleza.

La exhibición “Back Tomorrow” de The Public Library es un deslumbrante homenaje al escritor andaluz, y en particular a su obra Poeta en Nueva York, una serie de poemas que escribió durante su estancia en la ciudad como estudiante de Columbia University, y de la que se exhibe por vez primera el manuscrito original.

En Poeta en Nueva York, Lorca rompe sus esquemas literarios previos y se acerca a la poesía con una visión desafiante, con tintes de angustia y surrealismo, describiendo pasajes de una ciudad que incursionaba en la modernidad en medio de complejas circunstancias sociales, el desplome de Wall Street y una atmósfera de discriminación racial.

Lorca nunca vio esta obra publicada, en el año 1936 dejó el manuscrito que hoy se exhibe por vez primera a su editor en Madrid, José Bergamín, con la siguiente nota: “Querido Pepe, he venido a verte. Creo que volveré mañana. Abrazos de Federico”. Nunca más regresó. Estalló la guerra civil, fue asesinado brutalmente por las huestes franquistas y su cadáver sepultado en una fosa común. Sus palabras sirven de título de la exhibición de The Public Library: “Back Tomorrow”.

De manera simultánea a la muestra se realizarán en la ciudad decenas de eventos en homenaje a Lorca, entre los que se incluyen un concierto de la cantante Patti Smith, el lanzamiento de una nueva traducción al inglés del poemario editado por Chistopher Maurer, y un recorrido a todos los sitios que frecuentaba el escritor en la ciudad cuando era estudiante de Columbia University, La Ruta de Lorca en Nueva York.

El programa incluye también el estreno de una nueva grabación de las Canciones populares de Lorca recreadas por la cantante granadina Lara Bello, y la exhibición en el Instituto Cervantes de la película Viaje a la luna, basada en el único guión de cine que se conoce del escritor, dirigida en 1998 por el realizador catalán, Frederic Amat.
Hoy, como nunca, se despliega un homenaje colectivo a Lorca en Nueva York. Los signos de admiración se expresan en múltiples y vibrantes manifestaciones. El arquitecto Juan Osborne, por ejemplo, un talentoso artista visual, ha recreado de manera especial una fotografía del poeta elaborada con caracteres tipográficos de las palabras que más empleaba en sus poemas.

Tras evaluar con el respaldo de computadoras todos los poemas de Lorca, Osborne destaca que los cinco vocablos más enunciados resultan “niños”, “muerte”, “amor”, “agua” y “corazón”. Justo en su retrato, la palabra “corazón”, con 192 menciones, tiene una relevancia especial.

En Nueva York el corazón de Lorca late como nunca.

Por Norberto Bogard

En estos días, la cultura chilena deja una fuerte huella en Nueva York. Propios y extraños descubren que los perfiles culturales del la nación sudamericana no sólo se limitan a las maravillosas vertientes de Pablo Neruda o Gabriela Mistral. O que al nombre de la escritora Isabel Allende o el pintor Roberto Mata, hay otros más  que agregar ya con derecho propio.

NEVA- Los actores de la obra, Quincy Tyler Bernstine, Bianca Amato y Luke Robertson. (Foto: Carole Rosseberg).

Una de las primeras sorpresas que se advierten de la expresión chilena en la ciudad es la obra teatral “Neva”, del dramaturgo y director Guillermo Calderón, que se presenta este  marzo en “The Public Theater”.

El espectáculo, con una puesta en escena de su propio creador, captura una sólida tradición cultural de Chile, la del teatro politico, esta vez empleando una paráfrasis del universo del dramaturgo ruso Anton Chejov para volcar una reflexión sobre la vida, el arte y el espíritu revolucionario.

“Es mi acercamiento al teatro, lo ha sido desde que descubrí mi vocación”, dice Calderón, “creo que el escenario debe reflejar siempre una realidad política”.

TEATRO Y POLITICA- El autor y director de “Neva”, Guillermo Calderón, refleja bajo su particular visión una sólida tradición teatral chilena en los escenarios neoyorquinos.

El dramaturgo y director, quien ha viajado por diversos países con esta misma obra en español en diferentes festivales teatrales, aborda un nuevo montaje esta vez con actores neoyorquinos y con su texto traducido al inglés, para difundir a un mayor público esta manifestación del teatro chileno.

En el cine, también hay por ahora una notable presencia de la nación suramericana con la exhibición de la película No, del cineasta Pablo Larraín, que estuvo nominada a los Oscar como Mejor película extranjera.

En una especie de docudrama, y con la participación estelar del actor Gael García Bernal interpretando a un publicista chileno, No refleja una arista del proceso de referéndum que puso fin a la dictadura de Augusto Pinochet.

La cinta, estrenada en medio de polémicas propiciadas por algunos críticos que señalan que presenta una versión demasiado simple de los hechos históricos, ha revelado a los neoyorquinos en general que existe una industria cinematográfica sólida y creativa en Chile, que ha iniciado su despunte en los últimos años.

En el ámbito de las artes plásticas, el Instituto Cervantes de Nueva York ofreció recientemente una muestra de uno de los pintores contemporáneos chilenos más relevantes, Mario Toral, “Cuerpos y espirales”.

Y en el ramo gastronómico, la tienda Puro Chile ubicada en pleno corazón de Soho, despliega en sus anaqueles todas las muestras de los mejores vinos de una industria que cobra ya una presencia relevante en el mundo, compitiendo exitosamente con otras de larga tradición.  Entre sus casi cien etiquetas, se incluyen vinos como Anakena, Concha y Toro, Tabali y Santa Rita.

Y no sólo hay vinos chilenos en Nueva York, sino también acceso a su cocina. Esta primavera, el restaurante Pomaire tendrá una nueva sede en Chelsea, para seguir ofreciendo platillos tan típicos como humitas, pastel de choclo y helado de manjar.

Al pie del Hudson, Chile se revela como nunca antes.

Por Norberto Bogard

No es fácil atrapar a John Leguizamo. Y mucho menos para que hable del amor. Su agenda es similar a la de un ministro: decenas de emails por contestar, juntas y encuentros constantes con sus productores y agentes, la atención que le exigen sus dos hijos pequeños, a quienes se vuelca con infinita ternura, y la asistencia disciplinada al gimnasio, clases y viajes frecuentes por motivos de trabajo. Y esto cuando no está enfrascado en un proyecto de cine o de teatro, porque atraparlo en tales condiciones resultaría aún mucho más difícil.

En estos días tiene fascinación por la lengua en la que creció, el español, que relegó a un segundo plano cuando llegó a vivir con su familia a Nueva York de su natal Colombia, y ahora se ha propuesto dominarla con fluidez y propiedad. Así que Johnny Legz, el sobrenombre que emplea a veces como broma para describirse, esta vez se convierte en Juanito Piernas Largas. Y justo así pudimos arrancarle estas respuestas, entre brincos por todo Nueva York, corriendo siempre y con la pasión y el desopilante buen humor que siempre le caracterizan. Ante estas circunstancias, hay que lanzarle las preguntas a quemarropa. ¡A darle!

- Justo por la celebración de San Valentín se impone preguntarte, John: ¿Cómo conociste a tu esposa Justine y por qué te enamoraste de ella?

- (Reflexivo): Es mi alma gemela. El amor es una cosa complicada. Yo había estado enamorado, me gusta, pero el amor no es algo que pase seguido. Todo tiene que coincidir, por eso dicen que influyen los astros, deben estar alineados. Para llegar a conocer a tu alma gemela, la persona con quien quieres pasar el resto de tu vida, todo tiene que estar perfectamente equilibrado. Justo así me enamoré de Justine. Me conecté con ella como nunca me había pasado con nadie más en el mundo. Tras casi 20 años de casados, disfrutamos nuestra vida juntos. Nos ayudamos también en tiempos difíciles. Esto es amor… Right?

- Oye, pero no me has dicho cómo la conociste…

- (Con entusiasmo): Yo filmaba “Carlito’s Way” con Al Pacino, y ella trabajaba en el departamento de vestuario de la película. Hubo magia desde el primer momento. Empezamos a salir, a descubrirnos mutuamente. Todo se dio con mucha libertad, sin planes, como en el jazz… improvisando cada noche. Seis meses después, supe que no podía vivir sin ella.

- ¿Qué es para ti el amor?

- (Sin reticencias): Amor es buen sexo y comprensión. Entre otras cosas. También química y tolerancia. Hay que buscar siempre cómo ser compatibles. Sobre todo, creo que amor es desear que todo dure. En el caso de nuestra relación, Justine lucha mucho para que todo sea así, y cuando yo me doy cuenta de esto, me enamoro nuevamente de ella.

- ¿A quién más abres tu corazón, John?

- (Con sinceridad absoluta): Más allá de mi mujer y mis hijos, a mis amigos. Mis mejores amigos son los de la escuela Secundaria, y algunos actores con quienes he trabajado que son parecidos a mis amigos de Secundaria, en su forma de ser. Todos son divertidos, honestos y locos. Me gusta mucho compartir con ellos, tratamos de vernos lo más frecuentemente posible, entrenamos juntos, preparamos grandes cenas, vamos a ver peleas de box o a los Knicks…

- Has despertado otro amor por el español, tu lengua materna, y esto te llevó a presentar tu show de Broadway, Ghetto Klown, en Colombia. ¿Qué significó la aventura de llevar este espectáculo a tu país de origen, rebautizado como “Pelado de Barrio”?

- (Con orgullo): Le tengo gran cariño a este show en particular porque todo empezó como una charla con estudiantes universitarios por todo Estados Unidos y la respuesta fue tan satisfactoria, que pensé que podía convertirlo en un espectáculo para inspirar a otros. Exploré el tema por años, y ahora es un show que todo mundo imita… Mike Tyson… en fin, otros más. Creo que se basa en la vida de un niño que quiere convertirse en artista a como dé lugar. Expongo esta experiencia de manera honesta, cuando alcanzo la cima, cuando me he caído, cuando vuelvo a alcanzar la cima. Reflejo cómo sobrevivir esta montaña rusa llamada vida, en el negocio de la actuación.

- Excelente, pero ahora díme cómo fue la experiencia de hacerlo en español. ¿Es verdad que quieres seguir recorriendo América Latina con el show?

- (Evocativo): Me apasiona mucho el teatro. Con ‘Ghetto Klown’ obtuve premios importantes en Nueva York y varias nominaciones en Inglaterra. Pero en mis 40’s consideré que era tiempo de hacer cosas que verdaderamente me apasionan, no pensar sólo en el dinero, y me lancé a traducir la obra al español. Pero no sólo esto, sino que tomé clases de gramática, de dicción y memoricé el texto en español, lentamente. Ahora domino el idioma con fluidez, puedo sostener una conversación sobre cualquier tema en mi lengua nativa sin sentirme como extranjero, es uno de los logros personales que he alcanzado que más me enorgullece. Y si puedo divertir y hacer reflexionar a otro público en una lengua diferente al inglés, ¿por qué no hacerlo? Si mis compromisos profesionales me lo permiten, claro que me encantaría presentar el show en México, Argentina… y hasta en España.

Zulema Clares y Luis Carlos de la Lombana dan vida a la pareja central de la obra basada en la novela de García Márquez. (Foto: Michael Palma).

La compañía teatral Repertorio Español recién estrena una nueva obra basada en una novela del premio Nóbel colombiano: “El amor en los tiempos del cólera”. Magia total en el escenario.

Por Norberto Bogard

Para el director del espectáculo, José Zayas, fue todo un reto resumir todos los personajes de la maravillosa novela de Gabriel García Márquez. Pero como prestidigitador que saca de un sombrero flores, conejos o palomas, pudo dar vida con gran exuberancia y belleza a una historia de amor que vence absolutamente todos los obstáculos para conseguir un final feliz.

En suma, “El amor en los tiempos del cólera” relata la pasión amorosa de Florentino Ariza, a quien no le importa esperar medio siglo para que su amada de juventud le dé el Sí.

“Es una novela que leí cuando estaba en la Secundaria, y me fascinó”, dice Zayas. “Pero para llevarla al escenario era necesario encontrarle una fuerza dramática, esto resultaba el mayor desafío, el texto de García Márquez es tan hermoso que no requiere un conflicto, pero en el teatro la historia tenía que contarse de otra forma”.

De manera conjunta con la dramaturga Caridad Svich, con quien ya había adaptado previamente la novela de Julia Alvarez “En el tiempo de las mariposas” para representarla teatralmente, Zayas exploró “El amor en los tiempos del cólera” hasta en sus resquicios menores para traducirla en un espectáculo escénico.

“Caridad y yo tenemos nuestro lenguaje, nos gustan las mismas películas, las mismas obras”, explica Zayas, “y tras un trabajo arduo pudimos
darle sentido a la novela para que tuviese una sentido teatral y se contara con sólo cuatro personajes”.

El director habla con la mística de un fraile jesuita cuando se refiere a su oficio, su voz es un susurro pero no oculta signos de gran entusiasmo.
“Ya con el texto en la mano otro gran reto era cómo lograr algo diferente en el escenario con elementos mínimos”, explica, “conseguir una puesta muy intíma, y transformar el realismo mágico de la novela con el cuerpo de los actores”.

Originalmente, la puesta se concibió para seis intérpretes, y al final todo quedó resumido en cuatro actores que caracterizan a diferentes personajes (Luis Carlos de la Lombana, Zulema Clares, Silvia Sierra y Pep Muñoz, todos espléndidos), a veces a cuerpo limpio cubriendo diferentes edades, en ocasiones con máscaras.
Zayas realizó varias lecturas del texto con diferentes actores y exploró entre todos los integrantes de la compañía con la que ha trabajado ya varios años, para conformar su reparto final.

El lenguaje del amor. Decenas de personajes, resumidos en cuatro actores para contar una de las más hermosas historias del Nóbel colombiano. (Foto: Michael Palma).

El director, de padre puertorriqueño y madre dominicana, cursó estudios en Harvard University y Carnagie Mellon, y es co-fundador y director artístico de The Immediate Theater Company. Dice que su pasión por el teatro le viene desde la adolescencia, cuando vio representada en su natal Puerto Rico una obra del escritor Luis Rafael Sánchez, “La Pasión de Antígona Pérez”. Desde ese momento, quedó atrapado en la magia teatral. Exploró otras vías profesionales, como un año de Medicina y la carrera de artes plásticas, pero al final siempre lo consumía el fuego del escenario. En la dirección teatral, encontró su verdadera vocación y es ahora un oficio que sigue descubriendo con absoluta pasión y aún con muchos sueños por lograr.

Por ahora Zayas disfruta como si fuera espectador la obra que recién ha estrenado, a veces se olvida que es el director riguroso que aún sigue haciendo ajustes con sus actores o su iluminador, y que el describe como “un ritual del amor”.

Tiene razones para hacerlo. Ha conseguido un espectáculo con toda la exuberancia de la novela original y ha recreado con gran magia y fuerza teatral esa complejidad amorosa que los personajes de García Márquez saben cómo multiplicarla hasta el infinito.

Unos han logrado ya un reconocimiento. Otros intentan establecer una presencia respaldándose en su talento y trabajo. Pero todos dejan ya una huella especial en la Nueva York.

Crean. Proponen. Toman riesgos. Consiguen un impacto con su desempeño profesional o artístico, en mayor o menor grado. No son todos los que están, ni están todos los que son, pero sí, los que elegimos en nuestra lista tras realizar un sondeo entre expertos de diversas ramas, sobresalen de manera notable. Y se seguirá hablando de ellos, sin duda.

MUSICA

Sweet Electra

El grupo de músico electrónica se originó en la ciudad de Guadalajara, en México, hace más de una década, pero tras recibir invitaciones durante varios años consecutivos para participar en festivales de Nueva York, sus integrantes decidieron que ésta era “su ciudad”. La Urbe de Hierro tenía todo qué ofrecerles para seguir explorando la música.

Su fundador, Giovanni Escalera, ha sumado en la etapa final del grupo a la intérprete Nardiez. Desde su arribo a Nueva York, hace más de seis años, los dos artistas mexicanos han desempeñado todo tipo de oficios y trabajos para sobrevivir y hacer lo que les apasiona, música electrónica. En sus ritmos hay una mezcla de ‘house music’, fusiones electro-pop, juegos de diversas armonías, la guitarra nerviosa de Escalera y los acordes de otros instrumentos, enmarcando la original voz de Nardiez. Las melodías surgen en español, inglés o japonés. Su más reciente álbum, “When We Abandoned Earth”, grabado totalmente en Nueva York, es un vibrante himno de poesía nostálgica, con un acento muy urbano. Como dicen Giovanni, en esta ciudad “hay ángeles para los músicos”, porque han sobrevivido todo tipo de obstáculos y dificultades. Y los seguirán protegiendo, sin duda.

Jeffrey Hernández

Solista de la orquesta de salsa “Salsa Ray y La Nueva Crema”.

Lo que más le apasiona en la vida es cantar, pero las habichuelas se las gana por ahora como farmacéutico en uno de los establecimientos de una gran cadena. Sin embargo, su carrera musical tiene una estructura sólida, ya que es el solista de la orquesta “Salsa Ray y la Nueva Crema”, y efectúa presentaciones regulares los fines de semana en escenarios reconocidos como “La Iguana” o El Museo del Barrio. Es un veinteañero, pero en el género tiene el oficio de un salsero con décadas de experiencia: Jeffrey toma el micrófono y su voz surge límpida y jubilosa, interpretando desde melodías de salsa clásicas hasta composiciones recientes con un estilo muy propio. Y esto no es todo, como cantante incursiona también en comedias musicales, se ha formado como actor desde que era adolescente, y así ha participado recientemente en espectáculos como “Puerto Rico Fuá”, en Washington, y “The Fantastiks”, en Nueva York. Dice que la pasión por la música le viene de escuchar todo tipo de ritmos con sus padres, en su natal Puerto Rico, sobre todo boleros y salsa. Ya en Nueva York, se dio a la tarea de descubrir a todos los grupos salseros e intérpretes del género, Héctor Lavoé, Tito Rodríguez, Eddie Santiago, hasta Marc Anthony, y es como ha formado su propio estilo. Hay que recordar su nombre: Jeffrey Hernández.

TEATRO

Julián Mesri, director de escena.

Muy pronto, llevará a escena una de las obras más hermosas de la literatura española, “Fuente Ovejuna”. El joven director argentino descubrió el teatro casi como un juego. Desde niño, asistía a obras infantiles con sus padres y lo disfrutaba tanto como ir a una fiesta. Ya adolescente, y tal vez inspirado por su madre, dramaturga y maestra, empezó a perfilar su vocación de manera más seria y decidió que quería ser director. Al concluir sus estudios universitarios en Williams College, empezó a realizar teatro donde le diesen una oportunidad, y es como ha formado su oficio de creador escénico, destacándose por sus puestas imaginativas y de gran fuerza. Es muy joven, pero ya ha dirigido más de quince espectáculos, tanto en inglés como en español, muchos de ellos premiados por la crítica. Ahora vuelca todo su entusiasmo en dar vida a la obra de Lope de Vega, que estrenará Repertorio Español en su nueva temporada.

FOTOGRAFIA

Raúl Tovar, fotógrafo de moda

Uno de los campos más difíciles y competidos en Nueva York es el de fotografía de moda. Cada año, cientos de talentosos fotógrafos de todo el mundo aspiran a ganarse un sitio en la Urbe de Hierro, meca de la industria. Uno de los grandes artistas del ramo que tiene ya un prestigio es el colombiano Ruvén Afanador, y ahora sigue sus huellas otro veinteañero de México, Raúl Tovar, originario de la ciudad de Monterrey. En menos de dos años ha obtenido un reconocimiento por su creativo acercamiento a realización de fotografías de moda. No le ha sido fácil, Tovar ahorró durante varios años en su país natal para venir a estudiar a la célebre institución neoyorquina “School of Visual Arts”, y a la vez se ofrecía a trabajar de lo que fuese con los grandes fotógrafos para aprender los secretos del oficio. Una vez, de manera casual, pudo tomar un retrato del célebre diseñador Michel Bastian, y esa fue la llave que le ha abierto muchas otras puertas. Bastian quedó tan complacido con el trabajo, que empezó a recomendar al joven fotógrafo con otros creadores de la moda. Hoy, Tovar publica ya en algunas de las más prestigiadas revistas de moda del mundo pero dice que todos los días sigue aprendiendo, y aún se ofrece como voluntario para trabajar con otros fotógrafos consagrados y seguir redescubriendo así su oficio de la manera más creativa.

GASTRONOMIA

Fany Gerson

Este invierno piensa volcar un tono dulce en Nueva York. Literalmente. Tal y como lo hizo en el verano.
La chef mexicana es la propietaria de los productos “La Newyorkina”, que fabrica y distribuye paletas gourmet de los más diversos sabores tropicales en un original carrito por las calles de la ciudad, y ahora en esta temporada se prepara para ofrecer chocolate, café de olla, postres y otras delicias dulces, su especialidad, bajo un nuevo concepto. Gerson cuenta con una gran formación y experiencia como chef, ya que empezó en el negocio casi adolescente. En México estudió dos años en uno de los principales centros culinarios, y en Nueva York en el prestigiado “Culinary Institute of America”. En la ciudad, también, se ha desempeñado como chef y repostera en restaurantes de renombre, entre ellos “Rosa Mexicano”, y es donde ha consolidado su pasión por los postres y el lado dulce de la gastronomía. Esto, precisamente, la llevó a escribir un libro sobre los postres de su país, “My Sweet Mexico”, publicado por Random House. En el verano impuso entre los neoyorquinos la palabra ‘paleta’. Este invierno, lo hará con el término ‘café de olla’.

PERIODISMO

Tanzina Vega, reportera de “The New York Times”

Desde que vivía en el Lower East Side neoyorquino, como adolescente, sabía que iba a ser periodista. Su curiosidad era infinita, y le gustaba leer todo lo que cayese en sus manos. Al elegir carrera no vaciló un instante: Periodismo, en CUNNY University. En las aulas mismas empezó a ejercer el oficio, realizando programas de radio y televisión que sorprendían a sus maestros y colegas por su rigor e imaginación. En esos días, también, despertó una pasión absoluta por las nacientes plataformas digitales, y comenzó a manejar su oficio para comunicar desde las más diversos medios, y a la vez integrarlos. Tanzina descubrió así el lenguaje y estilo adecuados para informar en medios impresos, la radio, la televisión o bien en estructuras informativas que recién surgían. Al concluir sus estudios se graduó con honores. Antes de decidir iniciar su carrera laboral quiso explorar el mundo y se lanzó a viajar por Europa y Corea del Sur, impartiendo clases de inglés. Tiempo después, ya de nuevo en la Urbe de Hierro y tras algunas experiencias en diferentes medios de comunicación, tuvo la oportunidad de ingresar al periódico “The New York Times” como productora de reportajes audivisuales. Más tarde se integró como reportera en la sección de Negocios escribiendo sobre Internet, su impacto social, periodismo digital, multiplataformas informativas, tecnología, marketing, la industria editorial y otras áreas afines. Se ha convertido en una experta en el tema y con su pasión y agudeza imprime un estilo original a sus artículos. Su voz es respetada, propicia reflexiones y controversias y la ha hecho destacarse entre los reporteros de tal fuente.

MEDIOS

Andrés Barreto, fundador de “Onswipe” y “Pulso Social”

Nueva York es su cuartel general desde donde mantiene un vínculo con toda América Latina. Edad: 24 años. Nacionalidad: colombiano. Profesión: Aquella que le ha permitido poner en juego con éxito su formación política, su enorme curiosidad, su pasión por la nueva tecnología y un deseo legítimo de que los jóvenes del continente latinoamericano escapen de la pobreza y puedan forjarse un mejor futuro. Con su sencillez característica, se describe como “empresario de ‘start-ups’. Siendo adolescente, Barreto se trasladó a La Florida de su natal Bogotá para estudiar ciencias políticas; al graduarse decidió que quería conocer todos los países que integran América Latina y los recorrió con libertad viajando en condiciones modestas. En tal viaje, descubrió que había un interés enorme entre los jóvenes por conocer más sobre las nuevas tecnologías de Internet, las plataformas digitales, la forma de iniciar una empresa en estas áreas. Pero era difícil conseguir la información adecuada en una industria que apenas surgía. Casi un año después, al regresar a Estados Unidos, decidió él mismo iniciar una empresa tecnológica, y así surgió “Onswipe”, concibiéndola con un modelo que tuvo éxito desde su inicio y con una inversión de menos de cinco mil dólares, para convertir el contenido editorial de publicaciones impresas de grandes corporaciones editoriales, a tabletas y teléfonos celulares. Con el éxito alcanzado pudo formar una segunda empresa, “Pulso Social”, para intercambiar respaldo tecnológico, información y experiencias, con todos los empresarios jóvenes de América Latina, y que le ha permitido ya hacer eventos, conferencias y congresos desde Nueva York hasta Chile. Ahora tiene entre ceja y ceja un proyecto más, entrenar a adolescentes de bajos recursos económicos en las nuevas tecnologías, con la asesoría de los expertos con quienes ha creado una red en toda América Latina.

MODA

Carlos Campos, diseñador de ropa masculina

Puntada a puntada, trazo a trazo, y una perseverancia infinita, el diseñador de origen hondureño ha ganado ya un prestigio sólido con sus colecciones en la Séptima Avenida. Algo más habría que agregar: un talento excepcional que hace que cada una de sus colecciones sean una verdadera sorpresa por lo imaginativas, la factura impecable de cada prenda, la sencillez de sus líneas. Campos se formó con su padre como sastre, y así adquirió ese oficio riguroso que le hace que nunca esté satisfecho con la realización de una prenda si no tiene un dobladillo perfectamente acabado o el ensamble de las piezas sea de una precision geométrica. Además, le gusta experimentar siempre, de temporada a temporada, dar rienda suelta a su imaginación y crear sus colecciones con íconos o imágenes que siempre le han fascinado. Por ejemplo, hace unos años hice toda una serie con la influencia de los trajes de charros mexicanos, por la fascinación que tenía de niño por las películas de Pedro Infante y Jorge Negrete. El resultado fue una colección extremadamente elegante y original, con botonaduras y elementos empleados en los trajes que usan los mariachis. En sus colecciones más recientes ha apostado por un estilo casi minimalista, con enorme influencia japonesa. Su trabajo ya es reconocido por grandes publicaciones de moda masculina, como GQ y Vogue. Pero, no nos cabe la menor duda, su fama apenas empieza.

CINE

Lucky Torres. Rapera y ‘performer’ alternativa.

Es la protagonista de un documental aún en desarrollo que desde ahora crea enorme expectación. Su vida no ha sido fácil. En las calles de Nueva York, enfrentando los perfiles más duros tras haber quedado huérfana, ha sobrevivido a adversidades que davastarían a cualquiera. No a Lucky. Su rostro, hermoso y expresivo, lo ha manejado como un lienzo para cubrirlo de coloridos tatuajes. Al igual que sus brazos y otras partes de su cuerpo. El documental en el que cuenta su vida con brutal honestidad, que dirige Laura Checkoway y produce Neyda Martínez, pone al descubierto la verdadera piel de Lucky, más allá de la filigrana multicolor que intenta usar a manera de resguardo. Una red de protección ante el mundo hostil en el que ha vivido por décadas. Fuera de eso, tiene sueños, hay en ella una energía alentadora que la hace ser vital, divertida, irreverente, y continuar luchando para convertirse en rapera, modelo o intérprete de cualquier otro arte, mayor o menor, que le permita expresarse libremente. Sin ataduras. La estrella del documental que se titula con su nombre, “Lucky”, y que está en las últimas etapas de su realización, es además una muestra de un trabajo cinematográfico vibrante. Dentro de su rigor documental, Checkoway y Martínez han podido irrumpir en la intimidad de Lucky y lograr que se manifieste ante la cámara con una honestidad desarmante, con sentido del humor, consiguiendo que una historia dolorosa se convierta en un canto de esperanza. Todos, de una u otra manera, estamos atrapados en una piel que nos incomoda, y Lucky demuestra que es posible romper esos cercos. Lucky va a ser motivo de muchas conversaciones y polémicas, ya lo comprobarán en la pantalla pronto.

Desde su niñez, el actor de Broadway ha tenido un vínculo fraternal con el personaje. Hoy le infunde mayor vida que nunca, con el poder de la imaginación.

Casi cuatro años forjando un sueño. Como un orfebre tallando una joya preciosa. Así ha logrado el actor, coreógrafo y ahora director escénico Luis Salgado dar vida a su espectáculo “Amigo Duende”, una obra musical que presenta este otoño en Nueva York y que ha estado en su piel desde que era niño.
“Participar en la obra fue una de mis primeras experiencias teatrales en Puerto Rico, donde vivía en esa época”, dice desgranando recuerdos, “estudiaba la escuela intermedia y me dieron un pequeño papel”.

Tal incursión en las tablas lo marcó de manera definitiva, y al año siguiente volvió a participar en la misma obra, con un personaje mayor, el de un payaso.
“Me siguió deslumbrando todo”, cuenta el actor”, sobre todo la magia de la obra infantile de Favia Lugo, pero a la vez me sorprendía que se montase exactamente igual que el año anterior… no sabía mucho de teatro, pero sí me preguntaba, ¿por qué lo mismo?
No terminó ahí su experiencia con “Amigo Duende”. Literalmente quedó encantado con la magia del personaje y años después decidió producirla en Puerto Rico con una nueva visión.

“Eran tiempos de loca juventud’, expresa”, no sé ni cómo me atreví a lanzarme con algo así, pero los actores que trabajaron conmigo hicieron realmente un gran trabajo y se me rompió el corazón cuando vi todo finalizado”.

Tras decidir que su carrera profesional debía ser la danza y la actuación, vino a Nueva York a estudiar y después de algunos años de férrea disciplina y enorme pasión por su oficio, ganó un espacio artístico que lo ha llevado a participar en varios musicales de Broadway, entre ellos “In the Heights” y “Women on the Verge of a Nervous Breakdown”.

En los años que lleva en la ciudad, día a día consolida su carrera con mayor fuerza, actuando, creando coreografías, trabajando con niños, pero en su piel seguía siempre “Amigo Duende”. Mientras participaba en la obra “In the Heights” como capitán de coreografía, decidió que había que ponerle alas a “Amigo Duende” para que volara lo más alto posible.

“El primer paso fue conseguirme un aliado”, cuenta, “y entusiasmé al actor Joshua Henry, quien aceptó respaldarme y escribir la letra y música de algunas canciones que desde siempre quise integrar al espectáculo”.

Ya con un cómplice de la talla de Henry, nominado al Tony por su participación en la obra “Scottboro Boys” y talentoso creador, Salgado se volcó con toda su pasión y energía a recrear la historia y estructurarla como una comedia musical”.

Entre más detalles ofrece del proceso creativo, más se entusiasma:

“¡Tenía que tener música!”, dice explosivo, “es la historia de una niña llamada Marisa, quien está a punto de perder a su mejor amigo, un duende imaginario, porque va a entrar a la escuela… y debe tomar una decision difícil. ¡Claro que Marisa tenía que cantar”.

Salgado dice que si bien el proceso ha sido arduo, él y el co-creador del espectáculo han tomado todo como un juego.
“Eso decíamos siempre que teníamos que trabajar”, dice, “¡vamos a jugar!”.

Y tras los años de “juego”, cinco lecturas de mesa de la obra con un elenco profesional, los participantes de “In the Heights” y ajustes aquí y allá, “Amigo duende” se estrena oficialmente este mes de octubre en la majestuosa sala del Museo del Barrio.

“Quiero que todos vean la obra”, comenta Luis, “niños, padres, maestros… es un espectáculo sobre la imaginación, de hecho el lema de la obra me lo dio un niño, precisamente, tras ver una de las funciones de ensayos, al finalizar, como si fuese un pequeño filósofo, dijo: ‘La imaginación no tiene límites’ Wow. Me quedé con la boca abierta”.

La imaginación de su creador tampoco tiene fronteras: tras el estreno de la obra, quiere seguir respaldándola como producción para que llegue a escenarios de Broadway como “The New Victory Theater” y, ¿por qué no?, pueda iniciar una gira a diferentes países.

Con una enorme franqueza, como si quisiera despedirse compartiendo un secreto, “La imaginación no tiene límites”.

Daphne Rubin-Vega, actriz panameña que interpreta a Stella, junto al protagonista, Blair Underwood. (Foto: Ken Howard).

Por Norberto Bogard

Los actores latinos empezaron a incursionar en los escenarios de Broadway a principios de los años 50’s. Las oportunidades eran minimas. Pero en un marco de excelencia teatral, resultaba imposible ignorar su fuerza interpretativa, su particular talento. Sucedió así con el puertorriqueño José Ferrer, quien caracterizó el papel estelar de “Cyrano de Bergerac” con un recibimiento entusiasta tanto del público como de crítica.

Otros nombres se sumaban gradualmente, entre ellos el del actor dominicano Rafael Campos, las actrices Chita Rivera en el papel de “Anita” en “West Side Story”, y Rita Moreno en “The Ritz”. Raul Julia, interpretando desde Shakespeare hasta comedias musicales como “Nine”. Los desafíos eran enormes. Surgía apenas una tradición actoral entre la comunidad artística latina; no había personajes que pudiesen interpretar, y los pocos que aparecían en ciertas obras se otorgaban a actores de otra descendencia étnica. Si bien Chita Rivera tenía uno de los papeles estelares en “West Side Story” cuando se estrenó, en 1957, la pandilla de “The Shark” formada por puertorriqueños era interpretada por actores griegos, de acuerdo al “Playbill” de la época. En la década de los 70’s se sumaron actrices como Priscilla López, en “A Chorus Line”, y en los 80’s, ya con una carrera cinematográfica consolidada, Anthony Quinn y más tarde Antonio Banderas. También, coreógrafas como la argentina Graciela Daniele y entre los directores musicales, Oscar Hernández.

Hoy, por fortuna, el panorama es otro. No ha sido fácil, todo artista latino que aspire a pisar un escenario de Broadway sabe que aún dentro de los esquemas tradicionales, al final lo que pesa y se reconoce es el talento.

Y en la última década, han brillado con luz propia actores, actrices, dramaturgos, coreógrafos, escenógrafos, muchos de ellos presidiendo con sus nombres la marquesinas.

Hoy, por ejemplo, una actriz de origen panameño, Daphne Rubin-Vega, interpreta el personaje de Stella en la clásica obra de Tenesse Williams “A Streetcar Named Desire”. Su nombre,  por supuesto, se destaca con luces en la marquesina. Daphne tiene entre créditos otras obras previos en la Via Blanca neoyorquina, entre ellas el ya legendario musical “Rent”, y más de dos décadas de esfuerzos forjando con ahínco su carrera artística.

En estos días, también, Ricky Martin, el cantante puertorriqueño, y la actriz Elena Roger, de origen argentino,  estelarizan la obra “Evita”, que es actualmente la producción de mayor éxito de taquilla en Broadway. La actriz sorprende con su fuerza titánica. Ricky Martin, por su parte, otorga una interpretación cautivante al personaje de El Che y es el motivo de que miles de espectadores de todo el mundo tengan como destino a Broadway.

Hay más estrellas consolidadas que destacar: la mexicana Bianca Marroqui, quien sigue vinculada al musical “Chicago” y regresa siempre al espectáculo durante al menos dos temporadas al año. Karen Olivo, de descendencia dominicana y puertorriqueña, quien ganó hace dos años un Tony por su participación en el papel de Anita en “West Side Story”.

La lista no concluye aquí, por fortuna: los escenarios de Broadway han tenido también la participación de Andrea Burns, actriz de descendencia venezolana; la puertorriqueña Olga Merediz, quien es ya un nombre familiar y destacado en los repartos de Broadway, y Lindsay Méndez, quien estuvo hasta hace poco en el elenco del musical “Godspell”.

Imposible hablar de Broadway sin mencionar a Lin-Manuel Miranda, el creador y protagonista principal de “In The Heights”. Su espectacular trabajo escénico le hizo fusionar sus raíces puertorriqueñas con la vibrante vida cotidiana de su barrio dominicano en Nueva York, con un acercamiento de comedia musical clásica que hasta el propio Stephen Sondheim, el compositor por excelencias de los grandes musicales estadounidenses, celebró con admiración.

Imposible también  hablar del Broadway actual sin incluir el nombre de Raúl Esparza; el actor de origen cubano interpretó precisamente al más anglosajón de los personajes de Sonheim, “Bobby”, en la obra “Company”, y es ya un nombre de prestigio entre todos los protagonistas de Broadway. Hay más nombres que sería imperdonable omitir: el del coreógrafo Sergio Trujillo, de origen colombiano, eternamente nominado al mayor galardón de Broadway, el Tony; el del también coreógrafo y actor Luis Salgado, siempre activo en los escenarios de la Vía Blanca, y el del actor Ivan Hernández, quien interpreta este verano uno de los personajes protagónicos del musical “Into the Woods”. Un actor más: Kevin Del Aguila, de descendencia peruana, participa en el aclamado espectáculo “Peter and the Starcatcher”.

Y no son sólo actores los que aportan esta nueva energía a Broadway, también hay dramaturgos, como los premiados con el Pulitzer Nilo Cruz, y Quiara Alegría Hudes; escenógrafos, como Riccardo Hernández, y creadores de vestuario, como el diseñador dominicano Emilio Sosa, involucrado en la producción de “Porgy and Bess”, y la mexicana Constanza Romero.

El teatro es un espejo de nuestra cotidianidad, en situaciones de dolor y de alegría. El pulso de la vida estadounidense seguirá reflejándose con fuerza por creadores latinos, en los escenarios de Broadway, sin duda. ¡Arriba el telón!

Por Pilar Carreras

La última obra del aclamado Jaime Salom nos presenta, en 95 minutos, el imaginario encuentro entre la gran soprano de mitad del siglo veinte María Callas, y el complejo y cruel personaje de la mitología griega, Medea. Ambas mujeres, aunque de muy diferentes características, se perfilan fuertes, poderosas, y con apariencia de tenerlo todo cuando en realidad las dos ocultan un drama de difícil desenlace. Célebres por enamorarse fatalmente del hombre inapropiado, sufren las consecuencias del desamor y los gajes de la fama que traen a cuestas.
En la primera escena, Salom utiliza un programa de entrevistas para establecer el surrealista encuentro y confrontación entre Medea y María, dejando claro desde el principio sus grandes diferencias. A partir de entonces, sus azarosas vidas se van relatando de forma paralela a lo largo de la representación. Las reacciones de las dos desdichadas mujeres al ser rechazadas por el ser amado, se irán descubriendo y entrelazando comenzando con la infancia de una pequeña María Callas. A lo largo de su vida, la resignada Callas deberá soportar los maltratos y la traición amorosa de su amante, el millonario griego Aristóteles Onassis, así como el abandono de él por Jacqueline Kennedy, asumiendo ovejunamente las consecuencias de esa traición. Tal vez la historia paralela de Medea represente una ensoñación o un deseo inconsciente como única salida a una imposible venganza por parte de la lánguida Callas, que parece hecha únicamente para amar, sufrir y cantar. El momento álgido donde su amor se convierte en absoluto sometimiento y desgracia llega cuando Onassis le obliga a abortar prometiéndole un matrimonio que evidentemente nunca se cumple. La provocada muerte de ese feto es el punto más cercano a la historia de Medea, quien mata a sus hijos para vengarse de su marido Jason, aunque sus motivos de Medea fueran el odio y la sed de venganza y no precisamente un amor incondicional. El enlace misterioso de las historias se acaba de reforzar cuando La Callas interpreta la música de la ópera “Medea” que hacía un siglo que no se escenificaba.
La obra enlaza genial e intrigantemente dos historias que permiten la reflexión, incluso con un montaje que resulta complicado dados los continuos cambios de escena y el ritmo de la obra. Aunque a veces da la sensación de estar viendo una obra de aficionados en lo que a la escenografía se refiere, se logra transportar al espectador al lugar adecuado cada vez de formas inusitadas, añadiendo así otro toque de comedia a tanto drama. Es destacable el trabajo de la polifacética Soledad López, quien nos transmite el tormento de Medea con gran fuerza. Kathy Tejada también representa perfectamente el contenido personaje de María Callas, con elegancia y maestría. Ellas y el resto del elenco nos obsequian con una obra a la altura de un clásico. Los ricos y las divas griegas, también lloran.

Versión en inglés por G.J. Racz.
Diseñada y dirigida por Ángel Gil Orrios.
Protagonizada por Soledad López, Kathy Tejada, Francisco Fuertes, Luis Rivera, Raúl Julia, Basilica Bliachas, e Ivette Quintero.
Director adjunto y regidor de escena Héctor Luis Rivera.
Director técnico y diseñador de proyecciones Fabricio Saquicela.
Sólo seis semanas, hasta el 24 de junio, 2012
Funciones en inglés: Viernes 8pm y Sábados 3pm.
Funciones en español: Sábados 8pm y Domingos 4pm.
Información y entradas (718) 729-3880 www.thaliatheatre.org

Por Norberto Bogard

Tres personajes inciertos son el detonador de la obra de la dramaturga mexicana Sabina Berman. Tres personajes, Odiseo, Gloria y Andrés, tienen vínculos aparentemente cercanos pero resultan verdaderos extraños, entretejen lazos que revisten de perfiles de intimidad, de cotidianidad supuestamente jubilosa y creativa. Al final, no pueden evitar reflejar su enorme dolor y frustración por sentirse incapaces de encontrar un significado más profundo a sus respectivas vidas. Algo más esencial y pleno que rebase las aspiraciones de éxito, fama o simple juegos de hedonismo de una generación que enfrenta con angustia cómo justificar una existencia. Al final, todo se resquebraja de una manera casi trágica, no hay ya control.
Tal es el punto de partida de la autora para sumergir a los personajes en un laberinto de confusiones, violencia, incertidumbre, en una estructura de viñetas casi cinematográficas y con una precisa arquitectura en el lenguaje dramático. La obra, de principio a fin, está manejada en el filo de la violencia pero a la vez, de manera contrastada, con
una evocación poética en diálogos y situaciones.
“Muerte súbita”, también, es un prisma de metáforas. Desde el título mismo.
Sus tres personajes, un escritor que lucha de manera obsesiva por concluir una novela para alcanzar el reconocimento tras el fracaso de su última obra, una modelo que intenta iluminar sus días con el fulgor de su oficio, y un enigmático personaje que aparece para cambiar en cuestión de horas la vida de todos, están siempre a un paso de una muerte súbita. Literal y metafóricamente.
La producción que se presenta en Nueva York por la compañía “Bridgeplayhouse”, bajo la dirección de Daniel Jáquez, consigue atrapar toda la fuerza y violencia del texto de Berman de manera imaginativa. En tal desempeño cuenta con el magnífico respaldo actoral de Alfredo Huereca, en el enigmático y explosivo personaje de Odiseo, una efervescente Ana Grosse caracterizando a Gloria, revistiendo de matices frívolos, chispeantes y con toques de humor a la modelo de la obra, y en el introspectivo y siempre incierto Andrés, el actor Rodrigo Cuevas.
“Muerte súbita” ha encontrado un espacio ideal en el pequeño foro del hotel “Gershwin’, ya que permite recrear la acción en un plano muy cercano a los espectadores, haciéndolos partícipes de toda la carga de violencia y confusión de los personajes de manera estrecemecedora.
Si bien toda la concepción escénica es en verdad original y creativa, no llega a resultar totalmente lograda por pequeños detalles que se escapan al control del director. Por ejemplo, un manejo desigual del sonido, sobre todo en la música de fondo a veces demasiado estridente, efectos sonoros que confunden, más que acentuar situaciones, como el del chisporroteo del fuego que proviene de un sitio diferente a donde se quema un manuscrito, o un final titubeante, que no permite cerrar con fuerza el círculo de destrucción que plantea claramente la obra.
Pero en suma, es una magnífica muestra del buen teatro que empiezan a realizar en Nueva York nuevas compañías y grupos latinos, con una mezcla de visión, rigor, profesionalismo y compromiso. El buen teatro, sin duda, requiere de algo más que buenas intenciones o simple entusiasmo. “Muerte súbita” trae vida a nuestros escenarios.

Muerte súbita. Obra de Sabina Berman. Dirección: Daniel Jáquez. Escenografía: Susan Zeeman Rogers. Iluminación y sonido: Alfonso Rey. Vestuario: Jorge Castilla. Coreografía de combate: David Anzuelo. Más información: www.bridgeplayhouse.com